ARTEWEEK

  Pedro Américo, cujo quadro “ I ndependencia do Brasil” ou “Grito do Ipiranga”, foi reproduzido  nos livros de História do Brasil desde o século XX, também foi o pintor do primeiro “nu frontal” brasileiro, “ A Carioca”, de 1882. "A Carioca" (detalhe), 1882 "A Carioca", 1882. - Museu Nacional de Belas Artes - Rio de Janeiro O quadro, pintado em Floren ça, recebeu medalha de ouro na 17a. Exposição Geral de Belas Artes no Rio de Janeiro. Pedro Américo, muito feliz, resolveu enviá-lo ao Palácio Imperial como um presente para a coleção de artes de D.Pedro II, graças a quem havia podido estudar em Paris. Acontece que, o Mordomo-Mor da Casa Real, Paulo Barbosa, que era também deputado pela provincia de Minas Gerais, devolveu o presente com uma nota em que classificava a pintura de “ extremamente sensual, fora dos canones clássicos e não enquadrada no que o Imperador considerava conveniente para retratar a história do país”. Sob o ponto de vista estético, a obra t

 Andy Warhol was fascinated by celebrity and preoccupied with loss and mortality. The death of actress Marilyn Monroe in 1962 coincided with the artist's first experiments with screen-printing, a technique he used to reproduce multiple images from existing photographs and which both flattens out the resulting images and challenges ideas of authorship and originality. Shocking for the time, Blue Marilyn launched Warhol in a new direction that became one of the hallmarks of Pop Art and is thus a landmark of modern art. The painting's donor Alfred Barr, graduated from Princeton in 1922 and went on to become the founding director of the Museum of Modern Art. He acquired the work directly from the artist in the year in which it was painted. ---------------------  Andy Warhol estaba fascinado por la celebridad y preocupado por la pérdida y la mortalidad. La muerte de la actriz Marilyn Monroe en 1962 coincidió con los primeros experimentos del artista con el serigrafiado, técnica que

  Carlos Antonio Teixeira Basto Nunes Botelho (Lisboa, 1899 - 1982) foi um pintor, ilustrador e caricaturista português. Na fase inicial, marcada por um pendor declaradamente expressionista, pinta cidades, retratos e narrativas. T ema recorrente desde a primeira hora, a sua cidade natal afirmar-se-á como um tema central, seguindo a evolução do seu modo de pensar e de fazer.                                  Ramalhete de Lisboa - Palacio Pimenta Lisboa será a protagonista do apaziguamento expressivo e acentuação poética dos anos 40; será Lisboa que servirá de mote para as experiências abstractas dos anos 50; e será Lisboa que o ocupará, quase exclusivamente, nas últimas décadas. Para entender a obra de Botelho, é necessário compreender como as duas linhas principais do seu trabalho ao longo dos anos 30 e 40 - o desenho humorístico praticado no “Ecos da Semana” e a sua pintura - existem em territórios separados com apenas raras sobreposições.  Quando Carlos Botelho retomou a pintura

  Cézanne nunca visou o ilusionismo, e as suas composições de naturezas mortas podem ser antropomórficas, expressivas de tensão psicológica, de formas nunca sonhadas pelos seus antecessores barrocos. O Cesto de Maçãs exemplifica este efeito. A inclinação teatral do cesto implica que as maçãs que se encontram sobre a mesa rolaram para fora dela; no entanto, a forma como se amontoam e se aninham no guardanapo amassado sugere que possuem mentes independentes. A grande atenção de Cézanne a esta dinâmica dá à sua arte um elenco filosófico, mas os prazeres proporcionados pelos seus acordes de cor robustos, toque vivo, e instintos de composição seguros tornam-na sedutora. A determinação de Cézanne em reconhecer a natureza provisória da percepção deriva do Impressionismo, mas a sua ênfase na tensão entre a sensação óptica e a transformação estética distingue-o. No seu trabalho maduro, encontrou beleza de um novo tipo no diálogo carregado entre contingência e contemplação, facilitando assim

  Neo-Impressionismo, Pontilhismo, Divisionismo são hoje termo s aplicado s a um movimento de arte de vanguarda que floresceu principalmente em França entre 1886 e 1906. Liderados pelo exemplo de Georges Seurat, artistas do círculo Neo-Impressionista renunciaram à espontaneidade aleatória do Impressionismo em favor de uma técnica de pintura medida , fundamentada na ciência e no estudo da óptica. Entre  as  obras mais conhecidas  de Signac  está “The Pine Tree at St. Tropez”,  onde o artista passava todos os  v erões. Incentivados pela escrita contemporânea sobre a teoria da cor - os tratados de Charles Henry, Eugène Chevreul, e Odgen Rood, por exemplo - os neo-impressionistas passaram a acreditar que toques separados de pigmentos entrelaçados resultavam numa maior vibração de cor no olho do observador do que era conseguido pela mistura convencional de pigmentos na paleta. Nas palavras do artista Paul Signac, o maior propagandista do Neo-Impressionismo, "os elementos separados

Educada en  la cultura francesa por sus antecedentes familiares, Mary Cassatt pasó los primeros años de su infancia en París, y luego se volvió a Estados Unidos. Poco antes de la guerra franco-prusiana de 1870 regresó a París, sin duda con la esperanza de aprender a pintar en condiciones más interesantes que las existentes en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania.  No contenta con estudiar en el Atelier Chaplin, fue a buscar inspiraciones en los museos de Italia (donde estudió la obra de Correggio), de España y de Amberes (donde desarrolló una admiración por Rubens). Fue en Amberes, unos años más tarde, donde conoció a Degas, quien le sugirió que expusiera con los impresionistas, y también le dio orientación y consejos. Es erróneo concluir de esto que Mary Cassatt fue una alumna o una amante de Degas. A pesar de que Degas, tenía odio confirmado hacia las mujeres, cedió un poco hacia ella, y a pesar de que ella lo admiraba mucho, y de que se puede discernir un cierto parente

  Pintado entre 1838 y 1839, cuando el artista estaba en la cima de su carrera, es un estudio atmosférico de la luz y del imperio. Después de cuarenta años de exposición en la Royal Academy de Londres, Turner era famoso por sus estudios del mar y los efectos de la luz, muchos de los cuales fueron pintados en el río Támesis y sus alrededores o en muchos de los centros industriales de la Inglaterra del siglo XIX. Esta reproducción de la vida de un barco remolcado para su desguace es un lienzo altamente metafórico, que simboliza el declive y la caída del antiguo Imperio Británico, resumido en su orgullosa tradición naval, ya que se le hace inapto para futuros servicios. El tema, el barco "Temeraire" de 98 cañones, fue el protagonista de la victoria de Nelson sobre los franceses en la batalla de Trafalgar en 1805. Permaneciendo en servicio hasta 1838 cuando fue remolcado desde Sheerness a Rotherhithe para ser desguazado, el 'Temeraire' representa el declive del pod

  Júlio Martins Resende da Silva Dias nasceu em 23 de Outubro de 1917 no Porto, faleceu em 21 de Setembro de 2011 em Valbom, Gondomar, com 93 anos. Diplomou-se em Pintura no ano de 1945, pela Escola Superior de Belas Artes do Porto e e studou as técnicas de afresco e gravura na Escola de Belas Artes de Paris, 1947/1948. No ano de 1943 casou-se com a colega de escultura, Maria da Conceição Moutinho, expôs individualmente, no Salão Silva Porto, e participou na criação do Grupo dos Independentes, uma associação de artistas da ESBAP, como Júlio Pomar, Nadir Afonso ou Fernando Lanhas , de sensibilidades variadas mas unidos na crítica ao academicismo e na proximidade ao movimento neo-realista. Em 1953 cria as Missões Internacionais de Arte. Em 1958 é convidado para a docência na Escola de Belas Artes do Porto. Em 1962 presta provas públicas para a cadeira de professor da mesma escola. Docente na Escola de Belas Artes do Porto, entre 1958 e 1987, ano em que se aposentou, influenc

  El arte de Japón se desarrolló bajo la influencia del arte chino y continuó dentro de sus propias líneas durante casi un milenio. En el siglo XVIII, los artistas japoneses abandonaron los temas tradicionales del arte del lejano oriente y eligieron escenas de la vida popular como tema para sus coloridos grabados en madera, en los que parecen conciliarse una gran audacia de concepción y un perfecto dominio técnico. Los coleccionistas japoneses no tenían en alta estima estas producciones, ya que preferían la austeridad del estilo tradicional. Cuando Japón se vio obligado a establecer relaciones comerciales con Europa y América a mediados del siglo XIX, estos grabados se utilizaron a menudo para ilustrar los envases, y se podían encontrar a precios muy bajos en las tiendas de té.  Los artistas del círculo de Manet fueron los primeros en apreciar su belleza y en coleccionarlas con entusiasmo. En ellos encontraron un arte no corrompido por las reglas académicas y esas rutinas de las que l

  A arte do Japão desenvolveu-se sob a influência da arte chinesa e continuou dentro das suas próprias linhas durante quase um milénio. No século XVIII, os artistas japoneses abandonaram os temas tradicionais da arte do Extremo Oriente e escolheramu cenas de vida popular como tema para as suas xilogravuras coloridas, nas quais uma grande audácia de concepção e um perfeito domínio técnico parecem reconciliados. Os coleccionadores japoneses não tinham estas produções em alta estima, uma vez que preferiam a austeridade do estilo tradicional. Quando em meados do século XIX, o Japão foi forçado a entrar em relações comerciais com a Europa e a América, essas gravuras foram frequentemente utilizadas para ilustrar embalagens, e podiam ser encontradas a preços muito baixos nas lojas de chá. Artistas do círculo de Manet foram os primeiros a apreciar a sua beleza e em avidamente recolhê-las. Nelas encontraram uma arte não corrompida por regras académicas e aquelas rotinas das quais tanto s

  As criações artísticas de Botero estão impregnadas de uma interpretação “sui generis” e irreverente do estilo figurativo, conhecido por alguns como "boterismo", que impregna as obras iconográficas com uma identidade inconfundível, reconhecida não só por críticos especializados mas também pelo público em geral, incluindo crianças e adultos, constituindo uma das principais manifestações da arte contemporânea a nível global. A interpretação original dada pelo artista a um espectro variado de temas é caracterizada desde o plástico por uma volumetria exaltada que impregna as criações com um carácter tridimensional, bem como força, exuberância e sensualidade, juntamente com uma concepção anatómica particular, uma estética que cronologicamente poderia ser enquadrada nos anos 40 no Ocidente. Seus temas podem ser actuais ou passados , locais mas com uma vocação universal (mitologia grega e romana; amor, costumes, vida quotidiana, natureza, paisagens, morte, violência, mulheres, se