ARTEWEEK

Quem foi esta mulher inglesa que é retratada aqui com tanta magnificência? A Sra. Mary Edwards herdou a enorme fortuna do seu pai aos vinte e quatro anos, quinze antes de Hogarth a pintar. Dizia-se que ela era a herdeira mais rica da Inglaterra. Os pretendentes logo a assediaram e, infelizmente, ela foi escolher um dos piores maridos: um guarda real escoces chamado Lord Anne Hamilton. Logo depois, Hamilton começou a esbanjar seu dinheiro nas mesas de jogo e a transferir as ações de sua esposa para o seu próprio nome. Agindo rapidamente em autodefesa, Mary mandou destruir seus documentos matrimoniais e declarou seu filho como um bastardo. Um comportamento incomum que, no entanto, conseguiu salvar a sua fortuna, se não a sua reputação. Hogarth decidiu retratar este carácter invulgar como uma imperatriz bizantina: numa posição hierarquicamente frontal, num vestido escarlate damascado, adornado com jóias fabulosas e rendas  caras, mas ao mesmo tempo acariciando despreocupadamen

A Última Ceia foi pintada entre 1495 e 1498, este é o chamado período de execução. Hoje (e esta é uma verdadeira curiosidade da Última Ceia) está na mesma parede onde foi pintada pela primeira vez, no refeitório do convento dominicano de Santa Maria delle Grazie, em Milão. Foi declarado Património Mundial em 1980 e foi executado para o patrono de Da Vinci na altura, que era Ludovico Sforza, de Milão. Não é um a fresco tradicional, mas consiste num mural em que Da Vinci utilizou técnicas de tempera (redução do pigmento com água ou, por outras palavras, guache) e óleo sobre duas camadas de gesso sobre gesso. Finalmente, suas dimensões são de 460 centímetros de altura e 880 centímetros de largura. 1 - Porque é que esta composição é tão notável? A primeira das curiosidades da Última Ceia que devemos mencionar é a razão de sua transcendência particular na história da arte. Primeiro de tudo, porque os discípulos mostram emoções muito humanas e identificáveis. Cenas como esta já haviam

El término "barroco" es de origen portugués (barroco), cuyo femenino significaba perlas que tenían alguna deformación (como en español la palabra "barruecas"). Originalmente era una palabra despectiva que designaba una especie de arte caprichoso, grandilocuente y sobrecargado. Así el término apareció por primera vez en el Diccionario Trévoux (1771), que lo define como "en la pintura, un cuadro o una figura de gusto barroco, donde no se respetan las reglas y proporciones y todo se representa según el capricho del artista". Este estilo, originario de Roma, floreció entre 1590 y 1720, y abarcó la pintura y la escultura, así como la arquitectura. El barroco reflejaba principalmente las tensiones religiosas de la época, especialmente el deseo de la iglesia (como se anunció en el Concilio de Trento, 1545-63), para reafirmarse después de la Reforma Protestante. El barroco es casi sinónimo del arte de la contrarreforma católica. Muchos emperadores y

En esta inquietante imagen -la primera de una serie de cuatro variaciones de “Les Amants” que Magritte pintó en 1928- el artista invoca el cliché cinematográfico de un beso de cerca, pero subvierte nuestro placer voyeurista envolviendo los rostros en tela. El dispositivo de un paño o velo para ocultar la identidad de una figura corresponde a un mayor interés surrealista por las máscaras, los disfraces y lo que hay más allá o debajo de las superficies visibles. La escena melodramática también puede relacionarse con las ilustraciones gráficas que acompañaban a la ficción pulp y a los cuentos de suspense, que el amigo de Magritte, Paul Nougé, en una carta de 1927, animó al artista a emular. El MoMa muestra la primera de las cuatro variaciones de Los Amantes que Magritte pintó en 1928. En Los Amantes, se pueden ver dos caras ocultas intentando abrazarse. La tela que envuelve sus rostros obstruye el beso entre los dos amantes, donde se puede sentir y ver el aislamiento y la frus

La erupción del volcán Vesubio es conocida hasta hoy como una de las peores catástrofes registradas por la humanidad. La explosión de rocas, cenizas y humo venenoso fue responsable de la muerte instantánea de al menos 16.000 personas que vivían en la región, situada en el sur de Italia. Según los análisis realizados con los cuerpos carbonizados encontrados en el lugar, las víctimas fueron expuestas a una temperatura de más de 700º C.  Además de Pompeya, la ciudad romana de Herculano también fue destruida. Los registros de la tragedia se perdieron con el tiempo y las ruinas sólo fueron redescubiertas después de casi 16 siglos. A partir de 1748, los investigadores comenzaron a desenterrar las gruesas capas de ceniza y encontraron edificios preservados y cientos de cuerpos carbonizados. Según los arqueólogos que trabajaban en el redescubrimiento de las reliquias del Imperio Romano, la exposición de mosaicos no era infrecuente en los hogares de los ciudadanos ricos que deseaban

Joaquina Téllez-Girón y Pimentel (1784-1851), hija de los duques de Osuna, se convirtió en Marquesa de Santa Cruz por su matrimonio con José Gabriel de Silva y Walstein en 1801. Amiga de poetas y escritores, era una de las mujeres más admiradas de su tiempo. En este retrato de 1805, que la muestra en su juventud, yace en un espléndido sofá de terciopelo púrpura, vistiendo un vestido de gasa blanca, con escote a la francesa y una corona de hojas y frutos de roble, muy a la moda en la época. Los adornos simbolizan la virtud, la constancia y la fuerza. Goya combinó la moda de la temporada con sus propias visiones para producir una imagen de belleza flexible y formal, inspirada en obras como " Venus y Música " de Tiziano y " El Baño de Venus " de Velázquez, que pudo apreciar en la colección de la Duquesa de Alba o en el palacio Godoy.  En el cuadro, la joven marquesa apoya su brazo izquierdo en una guitarra con forma de lira, en ese momento en boga, q

Rafael Sanzio (1483-1520) es considerado el pintor que mejor desarrolló las ideas clásicas de la belleza en el Renacimiento: armonía y regularidad de formas y colores. Se hizo muy conocido como pintor de las figuras de María y Jesús y su trabajo se convirtió en un modelo para la enseñanza académica de la pintura. Los elementos que componen sus pinturas están dispuestos en espacios amplios y claros y de acuerdo a una simetría equilibrada. Con este fin, sus obras comunican una sensación de orden y seguridad. Evitando el exceso de detalles y el decorativismo, la obra de Rafael Sanzio expresa los temas de forma clara y sencilla. De su vasta producción es importante mencionar La liberación de San Pedro (1513-1514), La Transfiguración (1518-1520) y La Escuela de Atenas (1509-1511) . Este último (aqui presentado) es un fresco pintado en el Palacio del Vaticano (patrocinado por el Papa Julio II) que "pretende ser un resumen gráfico de la historia de la filosofía griega". En