ARTEWEEK

Pintor, grabador y diseñador francés nacido en Bielorrusia, Marc Chagall creó una obra figurativa singularmente poética, llena de ricos colores e imágenes oníricas - amantes del vuelo, enormes ramos, payasos melancólicos, animales fantásticos, violinistas solitarios y corazones vibrantes - que lo convirtieron en uno de los artistas occidentales más populares del siglo XX. Nacido el 7 de julio de 1887, en Vitebsk, en el Imperio Ruso, Chagall creció en una devota comunidad judía. Después de aprender los elementos del dibujo en una escuela local y de estudiar pintura en San Petersburgo, se trasladó a París en 1910, trabando amistad con jóvenes pintores audaces como el expresionista Chaim Soutine y los cubistas Fernand Léger y André Lhote, mientras absorbía los ricos matices de las pinturas impresionistas, postimpresionistas y fauvistas populares de la época. Respondiendo a estos estímulos, Chagall produjo obras como “Yo y el pueblo, 1911”, “El violinista, 1912” , y “París a travé

La Seine au quai d'Austerlitz, d'après Guillaumin (El Sena en Bercy) Paul Cézanne, 1876 Sin duda, Cézanne está considerado hoy en día como uno de los grandes nombres de la pintura de todos los tiempos. Sin embargo, no hay que olvidar que el reconocimiento de su valor fue tardío: mientras vivió, el consenso general se negó a juzgarlo positivamente, y así ocurrió también con Van Gogh, Gauguin y los impresionistas - pintores de una época en la que precisamente había un conflicto entre los criterios establecidos y la obra que producían.

De bellas artes se trata, no de religión. Detalle de Santa Catalina del Retablo de San Bernabé - Sandro Botticelli, c.1488. Actualmente se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia).

Cuando Signac viajó por primera vez a Estambul, en la primavera de 1907, quedó inmediatamente impresionado por la grandeza y la historia del lugar, así como por la calidad única de luz y color que llenaba la antigua ciudad. Como observa en su diario: "Hay una luz del Norte que se esconde contra el color del Este". El sitio inspiró doce pinturas, todas con el tema del históricamente significativo Cuerno de Oro, el estuario del Bósforo inundado cerca del puerto de Estambul. Este pasaje de agua era una de las entradas clave a la capital otomana de esa época y una vía fluvial muy concurrida y animada. En “Corne d'Or. Matin", el horizonte de la ciudad es fácilmente reconocible en el fondo, con los famosos minaretes de Santa Sofía una silueta inconfundible. Esta visión etérea, flotando en un miasma de rosas delicadas y púrpura, está enmarcada a ambos lados por una serie de barcos y naves de colores vibrantes que sugieren la energía y la actividad bulliciosa de la c

Poesia en el realismo Esta obra que está, en el MOMA de NYC, es el resultado de una representación compuesta de varias estaciones de servicio vistas por el artista. La luz de este cuadro -tanto natural como artificial- le da a la escena de una gasolinera y a su solitario asistente al atardecer un sentido subyacente de dramatismo. Pero en lugar de representar simplemente una narración directa, el objetivo de Hopper era, en sus propias palabras, "la transcripción más exacta posible de mis impresiones más íntimas de la naturaleza" - en este caso, la soledad de una carretera rural americana. Su colega Charles Burchfield creía que estas pinturas permanecerían memorables más allá de su época, porque en su "honesta presentación de la escena americana... Hopper no insiste en lo que el espectador debe sentir". Hoope - Una collección de 236 pinturas . Hopper en una vida gelada

Un bar aux Folies Bergère (Un bar en el Folies-Bergère) fue presentado por Manet en la exposición del Salón de París de 1882, justo un año antes de su muerte. El cuadro es la culminación de su interés por las escenas de ocio urbano y de espectáculo, un tema que había desarrollado en diálogo con el impresionismo durante la década anterior.  El cuadro es una obra maestra que ha dejado perplejos e inspirado a artistas y estudiosos desde que fue pintado hace ya cerca de un siglo y medio. El Folies-Bergère era uno de los lugares de espectáculo más atractivos de París, con presentaciones que iban desde el ballet hasta el circo. Otra atracción eran las camareras, que muchos observadores contemporáneos asumían que estaban disponibles como prostitutas clandestinas.  Al representar a una de estas mujeres y a su cliente masculino en una escala imponente, Manet introdujo descaradamente un tema moralmente sospechoso y contemporáneo en el reino del alto arte.  Al tratar el tema con

Tarsila de Aguiar do Amaral (1 de septiembre de 1886 - 17 de enero de 1973), conocida internacionalmente como Tarsila do Amaral o simplemente Tarsila, es considerada una de las principales artistas modernistas latinoamericanas, descrita como "la pintora brasileña que mejor logró las aspiraciones brasileñas de expresión nacionalista en un estilo moderno". Los otros miembros del Grupo dos Cinco son Anita Malfatti, Menotti Del Picchia, Mário de Andrade y Oswald de Andrade. Tarsila también fue instrumental en la formación del movimiento Antropofagia (1928-1929); de hecho, ella fue la que inspiró el famoso Manifiesto Antropofágico de Oswald de Andrade. O Abaporu (del idioma tupí "abapor'u", abá (hombre) + poro (gente) + 'u (comer), "el hombre que come gente") es una pintura al óleo sobre tela, ejecutada en 1928 como regalo de cumpleaños al escritor Oswald de Andrade, su esposo en ese momento. Es considerado el cuadro más valioso de un artis

En Grecia, como en otras civilizaciones, la pintura apareció como elemento decorativo de la arquitectura. La pintura griega, sin embargo, encontró una forma de realización también en el arte de la cerámica. Las ánforas griegas son conocidas no sólo por el equilibrio de la forma, sino también por la armonía entre el dibujo, los colores y el espacio utilizado para la ornamentación. Metropolitan Museum, NYC Además de ser utilizadas para los rituales religiosos, las ánforas se utilizaban para almacenar agua, vino, aceite y suministros. Con el tiempo, se convirtieron en exquisitas obras de artistas que integrando la forma y la pintura de manera equilibrada y armoniosa. Las pinturas de las ánforas retrataban a la gente en sus actividades diarias y en escenas de la mitología. Inicialmente el artista pintó en negro la silueta de las figuras. Luego grabó el contorno y las marcas interiores con un instrumento puntiagudo, que eliminó la pintura negra, dejando líneas claras. Cer

Los primeros vitrales medievales aparecieron en el siglo X en las catedrales de Francia y Alemania. Coloreadas e inmensas, estas ventanas adornadas eran verdaderas Biblias de luz, que revelaban la Historia Sagrada, la historia de los hombres, las verdades de la fe, y atrajeron cada vez más fieles a las catedrales. "Las ventanas acristaladas que están en las iglesias y a través de las cuales (...) se transmite la luz del sol, significan las Sagradas Escrituras, que alejan el mal de nosotros mientras nos iluminan", escribió Pierre de Roissy, canciller de la catedral de Chartres, hacia 1200. Esos vitrales, que adquirieron cada vez más importancia dentro del universo religioso, fueron considerados por el Papa León XIII como "el verdadero espíritu del Evangelio". De hecho, en muchos de ellos, la importancia de la luz y el color era mayor que la del propio diseño. En la Baja Edad Media, el desarrollo comercial europeo abrió espacio para nuevas posibili

El apogeo de la capital del Imperio Bizantino o Imperio Romano de Oriente, Bizancio (luego llamada Constantinopla y hoy Estambul) está relacionado con la oficialización del cristianismo como religión del Imperio en el año 380, que unió el poder político con el religioso. Así, el arte bizantino tenía fines político-religiosos: expresar la autoridad absoluta y sagrada del emperador. Para que el arte logre estos fines, se establecieron una serie de convenciones. Entre las más expresivas estaban la frontalidad y la bidimensionalidad, en las que las figuras adquirían un carácter idealizado e inmaterial, es decir, no estaban incluidas en una situación real. Esta convención se traduce en la postura rígida de estas figuras, que lleva al observador a una actitud solemne de respeto y veneración hacia estas personas, porque ven en los soberanos y en las personalidades sagradas a sus amos y protectores. Se establecieron otras reglas, como la determinación del lugar en el que aparecería

De todos los cubistas, Leger (French 1881-1955) era el que estaba más en contacto con el mundo real. Su obra abarcaba los temas cotidianos de la cultura de masas, ya fueran las primeras abstracciones de hélices y discos o los ambiciosos lienzos tardíos de los trabajadores en el alto hierro de los rascacielos. Nada de desnudos en el estudio, ni bohemios en el café para Leger! Nacido en la campiña del noroeste de Francia en una familia de ganaderos en 1881, Leger fue guiado hacia la arquitectura por sus padres, quienes pensaron que era una opción profesional más segura que la pintura. Pero pronto estuvo en París en la prestigiosa Academia Julian. En 1908 se mudó al famoso edificio del artista, La Ruche (La Colmena) e hizo las amistades vitales con los grandes nombres de la época: Brancusi, Archipenko, Lipschitz, Chagall, Robert Delaunay. Para 1911 había transformado el cubismo de Braque y Picasso en un lenguaje único en su género, basado firmemente en la vida del siglo XX.

Brooklyn Museum, New York El Banquete es una de las obras más representativas de la artista visual y escritora estadounidense Judy Chicago, quien en sus obras propone análisis sobre el papel de la mujer en la cultura y la historia. Se trata de una instalación interactiva, planificada a lo largo de 5 años y construida con la ayuda de 400 voluntarios. Consiste en una gran mesa triangular cuyos lados contienen 13 servicios de mesa completos cada uno. Los asientos en la mesa están dedicados a personajes femeninos de la historia de la humanidad, incluyendo figuras mitológicas y personalidades de diversas áreas, como las escritoras Emily Dickinson (1830-1886) y Virginia Woolf (1882-1941) y la pintora Georgia O~Keeffe (1887-1986). Judy Chicago as í, invitó simbólicamente a estas mujeres a sentarse a la mesa, como una gran llamada a ocupar su lugar en la historia y la sociedad.