ARTEWEEK

El coleccionismo es una práctica casi universal. Las personas coleccionan objetos como talismanes, recuerdos o fuentes de referencia científica, entre otros motivos, con una utilidad diversa. En ciertos momentos y lugares las colecciones han ejercido una influencia formativa sobre el arte. Las colecciones romanas de pinturas y esculturas de los territorios sometidos (de Grecia en particular) proporcionaron la fuente de referencia al arte romano. Plinio el Viejo menciona una colección de destacadas obras en el palacio de Augusto. En repetidas ocasiones invoca las obras de arte griego representadas en esas colecciones, sobre las cuales basaron sus trabajos los artistas romanos. A partir del siglo XV, cuando las colecciones a modo de tesoro de los monarcas medievales fueron sustituidas por las colecciones de prestígio del Renascimento, como expresión tanto de la cultura como de la riqueza y del poder del coleccionista, los artistas lograron el acceso, a trav

Fue la fotografia que convenció a la gente de que es posible conocer, e incluso experimentar, la vida cotidiana a través de imágenes. Debido a que la fotografia se convirtió en una actividad omnipresente en el siglo XX, algunos pintores desarrollaron una perspectiva contra-impresionista y pusieron mayor énfasis en el tiempo indefinido que puede durar un momento y no en su fugacidad. Las suaves pinturas de Edward Hopper, que representan la vida americana a mediados del siglo XX, crean una convincente sensación de distanciamiento y acción suspendida en un entorno cotidiano.

Frida Kahlo (1907-1954), una de las pintoras m ás famosas del mundo, es célebre tanto por su colorido arte como por los traumas físicos y psicológicos de su vida. Las pinturas de Frida Kahlo suelen calificarse de surrealistas porque están impregnadas de simbolismo. Aún así, Kahlo negó ser una verdadera artista surrealista porque en lugar de pintar sus sueños, lo que pintaba era una dolorosa realidad ya que tuvo problemas de salud durante prácticamente toda su vida. Frida tampoco era ajena al dolor emocional: tuvo varias aventuras amorosas, entre ellas la que mantuvo con el líder revolucionário ruso Leon Trotsky. Su apasionada relación el artista mexicano Diego Rivera resultó turbulenta ( ambos tenían aventuras extra-matrimoniales ) y estuvo salpicada de períodos de separación. A pesar de su tortuosa existencia, Kahlo era una figura inspiradora y politicamente activa, habiendo ayudado a Mexico a forjar su propia identidad.

Mosaicos Bizantinos Varios son los mosaicos bizantinos que representan el Cristo Pantocrátor ( T odo poderoso ). Mencionaremos dos de ellos. El arte del imperio romano cristiano, o Bizancio, nos ha llegado sobretodo en forma de murales, piezas de metalisteria y la duradera técnica del mosaico y sus pequeños azulejos cuadrados vítreos, o teselas. En la iglesia de Santa Sophia, o Hagia Sophia, la más grande de la capital bizantina, ( Constantinopla a partir de 1493 y actualmente Estambul ), el Cristo Pantocrátor, que data de 1261 mira de frente, sosteniendo el Evangelio con la mano izquierda mientras alza la derecha para bendecir. Cristo se presenta como juez, a la vez que cuidador de toda la humanidad. Durante el siglo VI, la iglesia de Santa Sophia (Santa Sabiduría) fue mandada erigir por el emperador Justiniano . El mosaico de la Déesis al que pertenece el Pantocrátor es uno de los grandes mosaicos ornamentales que se elaboraron para decorar el interior, al re

En 1863, el tema a menudo provocativo de Manet (los des nudos) había exasperado a los críticos. "Tiene toda la dureza de un fruto verde que nunca madurará", escribió uno. Pero cuando el virtuoso manejo de la pintura de Manet se aplicó a temas inofensivos de la naturaleza muerta, como éste, su talento era difícil de negar. Como declaró Émile Zola en 1867, mucho antes de que Manet entrara en el canon artístico, sus bodegones se habían convertido en "obras maestras para todos". Fish and Shrimp es de un grupo de bodegones pintados tras unas vacaciones de verano en Boulogne-sur-Mer y expuestos en la galería de Louis Martinet en el Boulevard des Italiens en 1865. Además de su técnica, la decisión de Manet de conservar el envoltorio de la pescadería y utilizarlo para enmarcar su tema subraya la modernidad de un tema ostensiblemente atemporal. Más tarde en la vida, Manet le dijo al artista Charles Toché que "un pintor puede decir todo lo que quiera

El Paso del Tiempo... Monet expuso este impresionante retrato de su amante y futura esposa Camille Doncieux, en el Salon de 1866. Los retratos tienen diversos objetivos y usos, pero su principal función siempre ha sido de recordar a las personas retratadas en una ocasión o situación concretas. Un retrato conserva un parecido que perdura mucho después de la desaparición del modelo, y de hecho, es posible pintar un retrato incluso después de la muerte de la modelo. Los retratos siempre se han creado con el futuro en mente, aunque el futuro imaginado por el pintor y la persona que encarga la obra esté a años luz de distancia. Hoy recurrimos a la fotografia para conocer nuestro aspecto en diferentes etapas de nuestras vidas, pero durante siglos los retratos han desempe ñ ado ese papel. Los artistas solían mostrar la fecha de la pintura o las edades de los modelos. Los retratos también servian para registrar la conmemoración de momentos importantes como el matrimo

El término Arte Óptico fue usado por primera vez en el otoño de 1964 por la revista Time para describir un nuevo estilo artístico. El artículo afirmaba: “El hecho de explotar la falabilidad de la vis ión y jugar com ella forma el nuevo movimiento del arte ó ptico ” . Más tarde el término pasó a usarse para hacer referencia a toda manifestación artística que usara la ilusión o los efectos ópticos y que produjera un efecto psicofisiológico em el observador. El observador ve una imagen que se mueve, que modifica la perspectiva o que produce una alteración de la vista. Para conseguir estos efectos, los artistas se servian de fenômenos como la interferencia de líneas, la perspectiva reversible, vibraciones cromáticas y contrastes de color. La artista inglesa Bridget Riley (1931) usó lineas blancas y negras y patrones geométricos en obras como Current , 1964 para transmitir movimiento. Victor Vasarely(1908-1997) em ca m bio explotó la ambiguidad de las su

La tumba de Khnumhotep (1900 a.C) se encuentra cerca de Beni-Hassan. Algunos paneles que decoraban su tumba están expuestos en el MET - Metropolitan Museum de New York, donde yo hice la foto. A traves de los dibujos se sabe que el pueblo de Canaan migró a Egipto para huír de la hambruna, hecho relatado también en la Bíblia, A partir de la interpretaci ón de los canones de la iconografia egípcia, es posible afirmar que eran esclavos semitas, pues son retratados con los rasgos de esa raza. En el grabado se los observa ocupados en la fabricaci ón de ladrillos. Por outro lado, en la decoración también aparece retratado un episodio de emigración masiva de un grupo étnico al delta del Nilo, en búsqueda de una vida mejor. Esos pobladores, de lengua semita, como los judíos, dominaram el delta del Nilo por un siglo.

A grande onda de Kanagawa é uma das obras mais famosas do mundo. Este quadro japonês, que é um excelente exemplo da prática ukiyo-e (orientada para a paisagem), inspirou artistas e amantes da arte durante quase 200 anos. Criada pelo artista japones Katsushika Hokusai durante o período Edo, é a primeira peça de 36 vistas do Monte Fuji, uma série de estampas ukiyo-e que mostram o pico mais alto do Japão sob diferentes perspectivas. Nesta peça, o Monte Fuji é visto do mar emoldurado por uma grande onda, que inspirou o título da obra. Esta ondulação domina a tela, anulando tanto a montanha como um trio de barcos. Las pequeñas figuras que pueden verse en los botes, balanceándose precariamente sobre el mar enfurecido, parecen estar a punto de ser engullidos por la gigantesca ola. El cielo amenazador que puede verse tras el nevado monte Fuji, advierte de que el tiempo va a empeorar. La obra sugiere la fragilidad de la existencia humana comparada con la fuerza de la natura

Railroad Sunset Edward Hopper, 1929 Whitney Museum of American Art, New York Desde su infancia, Hopper había estado fascinado por los trenes, y después de su matrimonio con Josephine Nivison Hopper, la pareja se embarcó en su primer viaje transcontinental en tren, viajando a Colorado y Nuevo México. El año que pintó esta escena, Hopper y su esposa viajaron de Nueva York a Charleston, Carolina del Sur, así como a Massachusetts y Maine. En lugar de representar los lugares que visitaron, Hopper presenta aquí el solitario paisaje en medio, con las vías del ferrocarril cortando el campo paralelamente al plano de la imagen, como si se viera desde la ventana de un tren que pasaba. Como era su práctica frecuente, Hopper pintó la escena una vez que regresó a su estudio de Nueva York, creando una imagen que no es un registro exacto de un lugar específico, sino que fusiona sus recuerdos con detalles imaginarios. Más de Hopper: 

Basket of Flowers (Cesta de Flores), 1622 Balthasar van der Ast,  Dutch, 1593/1594 – 1657 National Gallery of Art, Washington, DC. Un inventario de 1632 confirma la presencia de esa pintura del maestro Baltasar van der Ast en la colección de la princesa Amalia van Solms, esposa de Frederik Hendrik, príncipe de Orange. En 1632 Van der Ast se trasladó a Delft, donde figura inscrito en el gremio de pintores desde el 22 de junio. En 1633 se casó con Margrieta Jansdr van Beuren, con quien tuvo dos hijas. Van der Ast permaneció en Delft hasta su muerte en 1657. L os bodegones florales de Van der Ast, a l igual que los de su maestro Bosschaert, su cuñado, se caracterizan por su estructura vertical y simétrica. Se nota la introducción de un nuevo elemento en forma de conchas, que refleja el interés contemporáneo por coleccionar objetos exóticos. Partiendo de la afición de su maestro por las composiciones nítidas y vívidas, Van der Ast suavizó sus contornos,

Georges Braque, 1908 Houses at l'Estaque (Casas en l'Estaque) “ Las casas de l'Estaque” es una obra importante en la fundación del Cubismo. Fue pintada por Georges Braque al óleo sobre tela durante el verano de 1908 e incluso inspiró el nombre del movimiento. Las obras de Braque de este período marcaron un cambio estilístico hacia paletas de colores apagadas y formas geométricas simples. El crítico de arte Louis Vauxcelles comentó que Braque redujo todo en su pintura a cubos, lo que llevó a la adopción de la etiqueta Cubismo varios años después. Esta obra es una de las varias pinturas que Braque realizó en el pueblo de L'Estaque en Francia. Era un tema popular entre los artistas, especialmente los impresionistas. Paul Cézanne, en particular, pintó muchas piezas que representan la zona. Tras la muerte de Cézanne en 1906, al año siguiente se presentó en París una gran exposición de sus obras. Esta exposición fue una importante inspiración para B

Ana R Castro Corrales El impresionismo fue un movimiento artístico radical que surgió a finales del siglo XIX, centrado principalmente en los pintores parisinos. Los impresionistas se rebelaron contra los temas clásicos y abrazaron la modernidad, deseando crear obras que reflejaran el mundo en el que vivían. Tenian en común la creencia sobre cómo la luz podía definir un momento en el tiempo, con el color proporcionando definición de formas en lugar de líneas negras. El estadounidense John Rand nunca se unió a sus filas como un artista preeminente, pero como pintor residente en Londres diseñó en 1841 un dispositivo que revolucionaría el mundo del arte: la pintura en un tubo. La nueva e inteligente tecnología ofrecía pintura premezclada y fácilmente transportable, y permitía a los pintores llevar su proceso a la intemperie. Los impresionistas se tomaron muy en serio muchas de las técnicas de Edóuard Manet, en particular su aceptación de la modernidad como tema y l

                       Foto da pintura original en el Museu Calouste Gulbenkian, Lisboa. (Ana Castro). Los naufragios y otros desastres en el mar fueron un tema recurrente en la pintura romántica. Demostraron la fuerza primordial de los elementos, una pesadilla para todos los que viajaban lejos de casa. Turner mantuvo una pasión de toda la vida por el mar. No se sabe si esta pintura se inspiró en un naufragio real o en la reedición en 1804 de un famoso poema sobre el tema de William Falconer.  Turner define la esencia de tal experiencia a través de impresiones abrumadoras de realismo y horror. --------------------  Em Portugues: Naufrágio de um cargueiro, 1810 Turner, Joseph Mallord Museu Calouste Gulbenkian, Lisboa. Os naufrágios e outros desastres no mar foram um tema recorrente na pintura Romântica. Demonstraram a força primordial dos elementos, um pesadelo para todos os que viajaram para longe de casa. Turner manteve uma paixão vitalícia pelo mar. Não se sabe se esta pint

La firma es el “ s ello” final del pintor. Supongo que suelen poner bastante cuidado al escoger la rubrica que cerrará su obra. Muchas veces, es el primero que busca el publico para verificar la autoria del trabajo y hasta para averiguar “algo más ” sobre la personalidad, estado de ánimo y circunstancias en las que se encontraba el artista. Aqui les presentamos algunas.  Interesante, verdad?

MANET pintó a Claude Monet en el pequeño bote que utilizaba como estudio flotante. Monet está sentado casi de espaldas, com la paleta y los pinceles junto a su rodilla, apreciando el progreso de su propia pintura, mientras Camille Monet, su esposa y modelo de varias de sus obras, permanece sentada frente a él. John Rand, pintor estadunidense, residente en Londres, había diseñado un dispositivo que revolucionaria el mundo del arte. Creó las pinturas en tubo, que facilitaban el trabajo al aire libre. A Monet, entonces, le era posible salir a captar los efectos de la luz, las sombras sobre el agua, diferentes momentos del dia y los cambios del paisaje a lo largo del año, como se observa en su serie de pinturas de almiares (montones de trigo formados en los campos después de la cosecha). 05/26/21 Foi Monet quem instou com seus amigos para que abandonassem completamente o estúdio e jamais pintassem uma só pincelada que fosse, exceto em frente do "motivo"

Picasso pintó ese gran mural, una de las más conocidas obras del artista, en su estudio de Paris, como respuesta al bombardeo alemán de Guernica em abril de 1937. Republicano y antifascista, el artista pretendia que la obra provocase rabia, ante los terribles acontecimientos de la guerra civil-española (1936-1939). Utiliza formas angulares y bocas gritando, para evocar las pesadillas de la guerra. La terrible figura com los brazos estirados es una reelaboración de los fusilamientos del 3 de Mayo de 1808, de Goya. Las imágenes de devastación constituyen el tema de Guernica. Fue la respuesta del artista al ataque a su país. La imaginería es abstrata, pero suficientemente intelegible para transmitir una inmensa y cruda destruición. Prescinde del color como una desaparición metafórica de la vida y de la esperanza. La obra Guernica se expuso en el pabellón español de la Feria Mundial de Paris en el año de su creación. El mural fue adquirido a Picasso por el Estado espa

El cuadro que representa al poeta portugués Fernando Pessoa fue pintado en 1964 para la Fundación Calouste Gulbenkian de Madrid por José Sobral de Almada Negreiros (1893-1970), un artista portugués polifacético que fue pintor, escritor, dramaturgo, poeta, novelista, en definitiva, una figura destacada en el nacimiento de la vanguardia portuguesa a principios del siglo XX. Almada Negreiros fue el motor de la cultura lisboeta en las primeras décadas del siglo XX. La pintura es una réplica de la realizada en 1954 para el restaurante Irmaos Unidos, donde se reunieron Mario de Sa-Carneiro, Almada Negreiros, Antonio Ferro, Armando Cortes-Rodrigues, Luis de Montalvor, José Pacheko y Alfredo Guizado, a cuya familia pertenecía el restaurante. Este cuadro se puede ver ahora en la Biblioteca de la Casa de Fernando Pessoa, en Lisboa. El cuadro foi pintado casi veinte años después de la muerte del escritor, y nadie más apto para hacerlo que Almada Negreiros, amigo de Pessoa desde 1913, mi

Gertrude Stein Pablo Picasso (1905-1906) Impresionado por la inteligencia y la espontaneidad de Gertrud Stein, Picasso se ofreci ó a pintarla. La pintora estadunidense posó para este famoso retrato en el estudio parisino del pintor., cubriendo su corpulenta figura com un vestido de pana marrón. En el otoño de 1905 empezaron las sesiones de pose, que según Stein fueron noventa, una cifra difícil de creer ya que Picasso trabajaba muy deprisa. En la primavera de 1906 el pintor, que no estaba satisfecto com las facciones, las cubrió com pintura. Cuando regresó a Paris em otoño, sin ver a Stein, pintó esta cara similar a una máscara, cuyo aspecto arcaizante anuncia el nuevo estilo que habia empezado a concebir (Cubismo) durante su veraneo em el Gósol, España. Con gran audacia, Picasso injertó una cabeza proto-cubista em su cuerpo del período rosa, creando una imagen icónica de gran singulatidad.  Algo más sobre Getrude Stein