ARTEWEEK

La pieza, ejecutada en el siglo XVIII, por Francisco Queirolo, muestra a un pescador que se libera de una red con la ayuda de un ángel y representa el abandono del pecado. Está en la capilla San Severo en el centro histórico de Nápoles, Italia y sorprende por la perfección de sus formas. Nótese que, incluso la red, está igualmente tallada en mármol. A este respecto, se cuenta que, como ya habia sucedido años antes con el famoso escultor, él mismo tuvo que bruñir personalmente la escultura con piedra pómez. Los artesanos de la época, aunque especializados en la fase del bruñido, se negaban a tocar en la delicada red, por si se rompía en sus manos. En su libro Istoria dello Studio di Napoli (1753-1754) , Gian Giuseppe Origlia define esta estátua de mármol como "la última y más difícil prueba a la que puede aspirar la escutura". La referencia es naturalmente a la obra virtuosa de la red, que asombró a famosos viajeros de los tres ultimos siglos  y que sigue deslumbrando a

Museum of Modern Art, MOMA, NYC Óleo sobre lienzo 127 x 127 cm Reconocido por la pureza de sus abstracciones, Piet Mondr ían (1872-1944) simplificó de forma radical los elementos de sus pinturas para reflejar su percepción del orden espiritual bajo el mundo visible. Movido por la idea de que el arte refleja la espiritualidad subyacente de la naturaleza, el joven Mondrían empleó vários años en simplificar la pintura al máximo a fin de reflejar su percepción de la energia que hay en el equilíbrio de fuerzas por las que se rigen la naturaleza y el universo. Esto le llevó a reducir todas las descripciones del mundo a colores primarios y elementos verticales y horizontales, los cuales representan las fuerzas opuestas elementales de lo positivo y lo negativo, lo dinámico y lo estático y lo masculino y lo femenino. A este estilo pictório lo llamó “ neoplasticismo”. Huyendo de una Europa devastada por la guerra, Mondrian se march ó a New York e n 1940 y, en su primera noch

La Sagrada Familia con los pastores Jacob Jordaens (Flamenco), 1616 Metropolitan Museum, NYC (Gallery 964). Jacob Jordaens (1593-1678) fue un pintor, dibujante y diseñador de tapices flamenco conocido por sus pinturas de historia, escenas de género y retratos. Después de Peter Paul Rubens y Anthony van Dyck, fue el principal pintor flamenco del Barroco de su época. Trabajando en Amberes, el centro comercial de los Países Bajos, Jordaens atendió a un público internacional con imágenes de devoción católica como ésta, centrada en la figura de la Virgen María. Su evocación terrenal de la carne influyó en artistas holandeses como Hals, y su obra fue recogida tanto por Vermeer como por la corte de La Haya. A pesar de su producción de imágenes de devoción católica, Jordaens fue llevado después de su muerte a la frontera con la República Holandesa para un entierro protestante.

Gustav Klimt (1862-1918), f undador de la Secesión vienesa (movimiento surgido en 1897 y englobado al Modernismo) desarrolló un estilo ornamental y sensual y es reconocido por lo general como el mejor pintor del Art Nouveau. La obra “El Beso” sigue los cánones del simbolismo y su técnica es óleo y p an de plata y oro sobre tela ( 180 x 180 cm ) . Klimt centraba su obra principalmente en las mujeres, y la inclusión de un hombre era inusual. El hombre agachándose para besar a la mujer que alza el rostro hacia él, lleva una corona de hiedra sobre su oscuro cabello lo que nos hace recordar a un Dios griego. La mujer lleva flores e n el cabello y e n el cuello. Aunque hay quienes sugieren que los modelos son el propio Klimt y su pareja, ( por más de 20 años) Emile Floge, t ambién puede tratarse de Hilde Roth, una de sus habituales modelos. La pareja se arrodilla en una cama repleta de colores florales m desde la cual una hiedra dorada trepa por los tobillos

Tras la segunda guerra mundial, la gente estaba á vida de optimismo, pero el arte reciente, incluídos el expresionismo abstracto y el Colour Field eran serios e introvertidos. Entre 1955-1970, a la vez que se recuperaba de la guerra, la sociedad se estaba transformando. El capitalismo, que nunca había tenido tanta fuerza, dio lugar a un nuevo estilo de vida y al surgimiento del consumismo. Fascinados por este fenómeno, los artistas londinenses y neoyorquinos comenzaron a plasmarlo en obras de brillantes colores con elementos publicitários, mercadotécnicos, del empaquetado de productos y de los medios de comunicación. Esta manifestación que se denominó “ pop art”, refleja el nuevo orden con sarcasmo y, a veces, de manera objetiva, presentando a los espectadores, de un modo audaz, un mundo nuevo, resplandeciente y materialista. El pop art cambió la actitud hacia todo el arte, y, como consecuencia, muchas ideas, antes consideradas irreverentes, se incorporaron a las b

Cuando se descubrió el grafito, en el siglo XVI, se pensó que se trataba de plomo. De hecho, en inglés, la mina del lápiz aún se llama lead ( plomo ). Tradicionalmente, los artistas han tenido que dominar el dibujo a lápiz antes de pasar a la pintura. Leonardo, Miguel Angel, Rafael, Durero, Guercino, Ingres, Degas y Seurat son algunos de los dibujantes más célebres. Tras el hallazgo de un gran yacimiento de grafito en el Reino Unido en 1564, se descubrió que era un material excelente para hacer marcas. Originalmente, las varillas de grafito se envolvían con cordones o piel de oveja, pero con el tiempo comenzaron a insertarse en palos de maderas vaciados. Los primeros lápices producidos en serie se realizaron en Nuremberg, Alemania en 1662. En Francia en 1795, Nicolas-Jacques Conté ( 1755 - 1805 ) invent ó el lápiz de mina moderno, para el cual se mezclan grafito y arcilla y se comprimen dentro de trozos de madera alargados. Los lápices se clasifican en función de

Realizada en roca caliza , con aproximadamente 70 metros de longitud y 20 metros de altura, de los cuales 5 corresponden a la cabeza – es una monumental escultura de carácter fantástico que se encuentra cerca de la ciudad del mismo nombre. Esta esfinge representa, segundo se cree, el faraón Kefrén y combina una cabeza humana - símbolo de la inteligencia del rey – con el cuerpo de un león – símbolo de la fuerza del sol. Para los egípcios de entonces, una esfinge era “la imagen viviente”. Según narra un historiador árabe del siglo XV, al observar como los campesinos adoraban y reverenciaban la solemne belleza de la esfinge, un musulmán sufi (fiel que busca respuestas en el interior de si aunque contra las leyes del hombre) , celoso, mandó desfigurarla, por lo que fue acusado de vandalismo y ahorcado. En el hueco de la nariz puede observarse la entrada de dos grandes cinceles, uno desde arriba y otro desde la aleta derecha, que rompieron el majestuoso rostro. Las

La señora Charpentier con sus hijos Pierre-Auguste Renoir, 1878. Metropolitan Museum de New York. Esta pintura fue aceptada en el Salón de Paris de 1879. Madame Charpentier y su marido editor, entusiasmados con el retrato, pusieron en marcha todos sus conocimientos mundanos, no solo para convencer al severo jurado del Salón de que aceptara el cuadro, sino sobre todo para hacerlo exponer en un lugar destacado. La crítica y el público alabaron la habilidad técnica del pintor, la vivacidad y el calor de los colores y su sensibilidad para conferir gracia y encanto a la figura de la madre con sus hijos. Todavia saboreando el exito del Salón, lo que puso fin a sus dificultades financieras de esa época, conoció en casa de los Charpentier a Paul Berard. Se volvieron muy cercanos. Renoir pintó a todos sus hijos y visitó regularmente su casa de campo, donde exploró otro generos como paisajes y exuberantes bodegones.

Artículo de Michele Mendelssohn  El siglo XIX estaba obsesionado con la hombría. Mucho se ha escrito sobre las limitaciones de las mujeres victorianas, pero las expectativas de género para los hombres no eran menos reales, aunque menos pronunciadas. Los debates que rodeaban a Wilde eran personales, pero también tocaban cuestiones fundamentales sobre lo que hacía de un hombre un hombre. La poesía era un campo de batalla para la masculinidad, y Wilde había entrado en la contienda. "¿Qué es un hombre?", preguntó un entonces poco conocido poeta llamado Walt Whitman a mediados de siglo. Su respuesta llegó en forma de Hojas de Hierba, una colección de poesía de 1855 que buscaba establecer la nobleza del trabajador estadounidense. El espíritu inclusivo de Whitman y su amplia gama hicieron que su poesía fuera revolucionaria. Cuando se imaginaba marineros y jinetes, artilleros y pescadores, elogiaba su mezcla de "forma varonil" con "lo poético de la gente al