Tarsila de Aguiar do Amaral, (1 de Setembro de 1886 - 17 de Janeiro de 1973), internacionalmente conhecida como Tarsila do Amaral ou simplesmente Tarsila, é considerada uma das principais artistas modernistas latino-americanas, descrita como "a pintora brasileira que melhor alcançou as aspirações brasileiras de expressão nacionalista num estilo moderno".
Tarsila nasceu em Capivari,uma pequena cidade do interior do estado de São Paulo, dois anos antes do fim da escravidão no Brasil em uma família rica de fazendeiros e proprietários de terras que cultivavam café. Quando adolescente, ela e seus pais viajaram para Espanha, onde Tarsila se impressionou com as pessoas desenhando e pintando cópias das obras de arte que havia visto nos arquivos de sua escola.
A partir de 1916, Tarsila do Amaral estudou pintura em São Paulo. Mais tarde estudou desenho e pintura com o pintor académico Pedro Alexandrino. Estes eram todos respeitados, mas professores conservadores. Como o Brasil não tinha um museu de arte público ou uma galeria comercial significativa até depois da Segunda Guerra Mundial, o mundo da arte brasileira era esteticamente conservador e a exposição às tendências internacionais era limitada.
Voltando a São Paulo em 1922, Tarsila foi exposta a muitas coisas após conhecer Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti Del Picchia. Estes colegas artistas formaram um grupo que recebeu o nome de "Grupo Dos Cinco". Antes da sua chegada a São Paulo vinda da Europa, o grupo tinha organizado a Semana de Arte Moderna durante a semana de 11-18 de Fevereiro de 1922.
O evento foi fundamental para o desenvolvimento do modernismo no Brasil. Os participantes estavam interessados em mudar o establishment artístico conservador no Brasil, incentivando um modo distinto de arte moderna. Tarsila foi convidada a aderir ao movimento e juntos se tornaram o Grupo dos Cinco, que buscava promover a cultura brasileira, o uso de estilos que não eram especificamente europeus, e que promoviam a inclusão de coisas dos indígenas ao Brasil.
Durante um breve regresso a Paris em 1923, Tarsila conviveu com o cubismo, o futurismo e o expressionismo enquanto estudava com André Lhote, Fernand Léger e Albert Gleizes. Os artistas europeus em geral tinham desenvolvido um grande interesse pelas culturas africanas e primitivas para se inspirar. Isto levou Tarsila a utilizar as formas indígenas do seu próprio país ao mesmo tempo que incorporava os estilos modernos que tinha estudado. Nesta época, enquanto estava em Paris, pintou uma das suas obras mais famosas, A Negra (1923). O tema principal da pintura é uma grande figura de uma mulher negra com um único peito proeminente. Tarsila estilizou a figura e achatou o espaço, preenchendo o fundo com formas geométricas.
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| A Negra, 1923. |
Entusiasmada com o seu estilo recentemente desenvolvido e sentindo-se cada vez mais nacionalista, escreveu à sua família em Abril de 1923:
"Sinto-me cada vez mais brasileira. Quero ser a pintora do meu país". Como estou grata por ter passado toda a minha infância na quinta". As memórias destes tempos tornaram-se preciosas para mim. Quero, na arte, ser a menina de São Bernardo, a brincar com bonecas de palha, como no último quadro em que estou a trabalhar.... Não pensem que esta tendência é vista aqui de forma negativa. Pelo contrário. O que eles querem aqui é que cada um traga a contribuição do seu próprio país. Isto explica o sucesso do ballet russo, dos gráficos japoneses e da música negra. Paris já estava farta da arte parisiense".
Oswald de Andrade, que se tinha tornado seu companheiro de viagem, acompanhou-a por toda a Europa. Ao retornar ao Brasil no final de 1923, Tarsila e Andrade viajaram pelo Brasil para explorar a variedade da cultura indígena e encontrar inspiração para a sua arte nacionalista. Durante este período, Tarsila fez desenhos dos vários lugares que eles visitaram e que se tornaram a base para muitas de suas próximas pinturas. Ela também ilustrou a poesia que Andrade escreveu durante as suas viagens, incluindo o seu livro de poemas fundamentais intitulado Pau Brasil, publicado em 1924.
No manifesto com o mesmo nome, Andrade enfatizou que a cultura brasileira era um produto da importação da cultura européia e chamou os artistas para criar obras que fossem exclusivamente brasileiras, a fim de "exportar" a cultura brasileira, assim como a madeira da árvore do Brasil havia se tornado uma importante exportação para o resto do mundo. Além disso, ele desafiou os artistas a usar uma abordagem modernista em sua arte, um objetivo que eles haviam buscado durante a Semana de Arte Moderna em São Paulo (1922).
Durante este tempo, as cores de Tarsila tornaram-se mais vibrantes. Na verdade, ela escreveu que tinha encontrado as "cores que eu adorava quando era criança".
Em 1926, Tarsila casou-se com Oswald de Andrade e continuou a viajar pela Europa e pelo Médio Oriente. Em Paris, em 1926, ela teve a sua primeira exposição individual na Galerie Percier. As pinturas expostas na exposição incluíam São Paulo (1924), A Negra (1923), Lagoa Santa (1925) e Morro de Favela (1924). Suas obras foram elogiadas e chamadas "exóticas", "originais", "ingênuas" e "cerebrais", e comentaram seu uso de cores vivas e imagens tropicais.
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| Lagoa Santa 1925. |
Depois de conviver com a arte surrealista em Paris regressou ao Brasil e, iniciou um novo período de pintura onde partiu das paisagens e cenários urbanos, e começou a incorporar o estilo surrealista na sua arte nacionalista.
Essa mudança também coincidiu com um movimento artístico maior em São Paulo e em outras partes do Brasil, que se concentrou em celebrar o Brasil como o país das grandes cidades em desenvolvimento, também impactou a forma como sua arte foi formada. Incluindo representações verticais dos edifícios em grandes cidades, como São Paulo, sua arte tornou-se icônica.
Estas peças de arte que ela fez poderiam incluir pequenos aspectos da cidade, como uma bomba de gás, ou grandes elementos como edifícios. A sua mistura de detalhes era importante porque esses detalhes constituíam a cidade. Partindo das idéias do movimento Pau-Brasil anterior, os artistas se esforçaram para se apropriar dos estilos e influências européias, a fim de desenvolver modos e técnicas que eram únicos deles e brasileiros. Este movimento Pau-Brasil foi um conceito modernista do Brasil.
A primeira pintura de Tarsila neste período foi Abaporu (1928), que tinha sido dada como pintura sem título a Andrade pelo seu aniversário. O tema é uma grande figura humana estilizada com pés enormes sentados no chão ao lado de um cacto com um sol de limão ao fundo. Andrade escolheu o título final, Abaporu, que é um termo indiano para "o homem come", em colaboração com o poeta Raul Bopp.
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| Abaporu, 1928. |
Logo depois, Andrade escreveu seu Manifesto Antropófago, que literalmente chamou os brasileiros para devorar os estilos europeus, livrando-se de todas as influências diretas, e para criar seu próprio estilo e cultura. O colonialismo desempenhou um papel no seu trabalho; Tarsila incorporou este conceito na sua arte. Em vez de serem devorados pela Europa, eles próprios devorariam a Europa.
Andrade usou Abaporu para a capa do manifesto como representação dos seus ideais. No ano seguinte a influência do manifesto continuou, Tarsila pintou Antropofagia (1929), que apresentava a figura de Abaporu junto com a figura feminina de A Negra de 1923, assim como a folha de bananeira brasileira, o cacto, e novamente o sol de limão e piolho de limão.
Em 1929, Tarsila teve sua primeira exposição individual no Brasil no Palace Hotel, no Rio de Janeiro, e foi seguida por outra no Salão Glória, em São Paulo. Em 1930, ela foi apresentada em exposições em Nova York e Paris. Infelizmente, 1930 também viu o fim do casamento de Tarsila e Andrade. Isto pôs fim à sua colaboração.
Em 1931, Tarsila viajou para a União Soviética. Em Mocou expôs suas obras no Museu de Arte Ocidental, e viajou para várias outras cidades visitando vários museus. A pobreza e o sofrimento do povo russo tiveram um grande efeito sobre ela, como se vê na sua pintura Operários (1933). Ao regressar ao Brasil em 1932, envolveu-se na Revolta Constitucional de São Paulo contra a ditadura no Brasil, liderada por Getúlio Vargas. Junto com outros que eram vistos como esquerdistas, ela foi presa por um mês porque suas viagens a fizeram parecer uma simpatizante comunista.
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| Operarios, 1933 |
O resto da sua carreira centrou-se em temas sociais. Representante deste período é o quadro Segunda Classe (1931), que tem empobrecidos homens, mulheres e crianças russas como tema. Começou também a escrever uma coluna semanal de arte e cultura para o Diario de São Paulo, que continuou até 1952.
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| Segunda Classe, 1929. |
Em 1938, Tarsila finalmente se estabeleceu definitivamente em São Paulo, onde passou o resto de sua carreira pintando pessoas e paisagens brasileiras. Em 1950, ela expôs no Museu de Arte Moderna de São Paulo, onde um crítico a chamou de "a mais brasileira das pintoras, a que representa o sol, os pássaros e os espíritos jovens do nosso país em desenvolvimento, tão simples quanto os elementos da nossa terra e natureza...".
Tarsila que morreu em São Paulo em 1973, deixou como legado 230 pinturas, centenas de desenhos, ilustrações, estampas, murais e cinco esculturas e, mais importante que tudo, o seu efeito na direção da arte latino-americana. Tarsila fez avançar o modernismo na América Latina, e desenvolveu um estilo único para o Brasil. Seguindo seu exemplo, outros artistas latino-americanos foram influenciados a começar a utilizar temas indígenas brasileiros, e a desenvolver seu próprio estilo.
Em 2018, o MoMA inaugurou uma exposição individual de sua obra, a oitava retrospectiva sobre artistas latino-americanos, após exposições sobre Diego Rivera, Cândido Portinari, Roberto Matta, Manuel Álvarez Bravo, Armando Reverón, José Clemente Orozco e Joaquín Torres García.
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| Antropofagia, 1929. |