ARTEWEEK

"Envidio a los japoneses" Van Gogh le escribió a su hermano Theo. Aunque Vincent van Gogh nunca visitó Japón, es el país que tuvo la influencia más profunda en él y en su arte. No se puede entender a Van Gogh sin entender cómo el arte japonés llegó a París a mediados del siglo XIX y el profundo impacto que tuvo en artistas como Monet, Degas y, sobre todo, Van Gogh. Visitando las nuevas galerías de arte japonés en París y creando su propia imagen de Japón - a través de una profunda investigación, coleccionismo de grabados y discusiones detalladas con otros artistas - el encuentro de Van Gogh con las obras de arte japonesas dio a su obra una nueva y emocionante dirección. Después de salir de París hacia el sur de Francia - a lo que él consideraba como lo más cercano a una especie de Japón que podía encontrar-, los años productivos y sin embargo problemáticos que siguieron deben ser vistos en el contexto de Van Gogh, que dobló las influencias japonesas a su voluntad y

Roberto Custodio, São Paulo, Brasil. “Lakshmi – The Divine Goddess As imagens de Roberto são bem diferentes e únicas, incorporando, como ele mesmo diz, pedaços de imagens de muitas revistas impressas de alta qualidade, até o mais ínfimo detalhe, somando-as para criar imagens que beiram o surreal e sonhador. Ao contrário das colagens convencionais, Roberto sempre mantém a proporção correta da figura e figura/paisagem/enredo, e depois com tinta nanquim e lápis de aquarela, adiciona o toque final para dar uniformidade à peça. O que impressiona imediatamente ao ver as visões de Roberto, é o poder surpreendente da invenção, juntamente com uma força emocional que envolve cada trabalho. Sua motivação definidora para encontrar a "Beleza" é aparente em cada um desses trabalhos, misturando e ampliando os limites da beleza masculina/feminina, mas sempre respeitando o sujeito.

FRANCISCO OLLER, EL HISPANO IMPRESIONISTA Francisco Manuel Oller y Cestero nació en Bayamón, Puerto Rico, el tercero de cuatro hijos de aristocráticos y ricos padres españoles Cayetano Juan Oller y Fromesta y María del Carmen Cestero Dávila. A los dieciocho años se traslada a Madrid, España, donde estudia pintura en la Real Academia de San Fernando, bajo la tutela de Don Federico de Madrazo y Kuntz, director del Museo del Prado. En 1858 se trasladó a París, Francia, donde estudió con Thomas Couture. Más tarde se matriculó para estudiar arte en el Louvre bajo la instrucción de Gustave Courbet. Para 1865, Oller era conocido como el primer artista impresionista puertorriqueño e hispano. En 1868, fundó la Academia Libre de Arte de Puerto Rico. Las pinturas de Oller fueron una gran contribución de la historia. Durante 1840-1903 sus pinturas mostraban los conflictos y la vida cotidiana de la gente fuera de su país natal, así como temas internos. Oller fue un pintor prolí

Las Meninas (1656) Diego Velázquez Museo del Prado, Madrid En Las Meninas la perspectiva aérea alcanzó su máxima expresión, haciendo de esta pintura una de las obras maestras del arte mundial. Velazquez supo muy bien captar los efectos atmosféricos entre los cuerpos, la irradiación de la luz y la vibración visual de los colores, utilizando una técnica fluida y sintética, que apunta las normas más que definirlas, proporcionándoles una apariencia de verdad inmediata y realidad desmaterializada. Pero, además esa obra posee una grandeza especial por el carácter enigmático de su contenido. La escena si situa en un aposento del Alcázar de Madrid, donde Velazquez tenia su taller. Al fondo, una puerta entreabierta, en que destaca la sillueta de un hombre vestido de negro, al lado de un espejo que refleja las efigies de la Reyna Mariana y del Rey Felipe IV. En primer término a la izquierda está el dorzo del lienzo ante cuyo anverso se sitúa Velazquez de pie, tal vez, mirando a

Woman with a Parasol - Madame Monet and Her Son Claude Monet, 1875 oil on canvas, 100 x 81 cm (39 3/8 x 31 7/8 in.), National Gallery of Art, Washington La mujer con sombrilla fue pintada al aire libre, probablemente en una sola sesión de varias horas de duración. El artista pretendía que la obra transmitiera la sensación de una excursión familiar casual en lugar de un retrato formal, y usó la pose y la colocación para sugerir que su esposa y su hijo interrumpieran el paseo mientras capturaban sus semejanzas. La brevedad del momento retratado aquí es transmitida por un repertorio de pinceladas animadas de color vibrante, características del estilo que Monet fue instrumental en la formación. La brillante luz del sol brilla desde detrás de Camille para blanquear la parte superior de su sombrilla y la tela que fluye en su espalda, mientras que los reflejos de colores de las flores silvestres de abajo tocan su frente con el amarillo.

Horkhebit fue "Portador del Sello Real, Compañero Único, Sacerdote Principal de los Santuarios del Alto y Bajo Egipto, y Supervisor del Gabinete" a principios de la Dinastía 26. Su tumba era un gran pozo de más de sesenta pies de profundidad hundido en el desierto y de roca caliza sólida en el cementerio del período tardío que cubre la mayor parte de la zona al este del complejo de Djoser en Saqqara. En una enorme cámara lisa en la parte inferior del pozo, un núcleo de roca rectangular fue dejado en pie y ahuecado para albergar este sarcófago antropoide. Cuando el gobierno egipcio excavó la tumba en 1902, el sarcófago contenía los restos de un ataúd de cedro dorado muy descompuesto y de una momia que llevaba una máscara de plata dorada, dedos y punteras de oro y numerosos amuletos pequeños. Otros equipos canopos y shabti acompañaron el entierro. Los hallazgos fueron al Museo Egipcio de El Cairo, mientras que este sarcófago fue comprado al gobierno egipcio por el Museo Metr

“Fado” (1909-1910) José Malhoa, Museo Del Fado, Lisboa, Portugal. Se conocen dos versiones del Fado de José Malhoa. La primera es de 1909 y la otra de 1910. Probablemente desde la idea hasta la concepción, José Malhoa pasó unos momentos dificiles antes de llegar a la obra que conocemos. La historia del cuadro comienza cuando José Malhoa siente el deseo de retratar O Fado, que empieza a tener cierto éxito entre burgueses, intelectuales y aristócratas, a pesar de haber estado, en ese momento, muy asociado a la marginalidad, a los barrios populares y a la población más empobrecida. El pintor contrató primero modelos profesionales para los primeros bocetos, pero no quedó satisfecho. Realmente quería capturar la verdadera esencia del fado y sólo lo lograría con modelos reales. Deambuló durante mucho tiempo por los barrios de Alfama y Bairro Alto hasta que encontró lo que quería en el barrio de Mouraria, donde, hoy en día, sus habitantes afirman con orgullo ser la cuna de este

Desde su apertura en 1997, un perro guardián conocido como Puppy ha custodiado las puertas del Museo Guggenheim de Bilbao con un cambiante manto de decenas de miles de flores. Siempre en guardia, este terrier blanco de West Highland, un "pequeño" perro de pelo blanco escocés de 12,4 metros de altura, de unas 16 toneladas de peso (¡sí, es correcto!), ha estado recibiendo visitantes durante más de dos décadas. No importa si el día es lluvioso o soleado o si los pensamientos de invierno florecen en su abrigo; o incluso si nadie se presenta para tomar su foto temprano en la mañana. Espera pacientemente en las puertas de la cultura a que alguien venga y tome una foto a su lado. Los turistas de la ciudad y del museo no se detienen....corren hacia la estatua para tener la oportunidad de tener una selfie …..y pensar que Puppy estaba originalmente confundido con un gato! Este tipo de fotografía es más fácil que intentar capturar la escala completa de Puppy, aunque a menudo se p

“El triunfo de Baco” o “ Los Borrachos” Diego de Vel ázquez (1628-1629) Museo del Prado, Madrid. En “ Los Borrachos” rien los personajes. El autor no ríe. Ni simpatiza com el vicio de aquellos ni, en guisa de predicador moralista, se entristece sobre su mal. Anota y revela indiferente, com una serenidad que se diria de la ciencia, el brillo de la alegria, como la mueca lamentable de la estupidez. Dos desnudos también, aunque Baco es figurado aqui por un pícaro de taberma de suburbio, como los outros. Gentes de andrajo, que la ágil, la desembarazada pincelada acarició , com el infalivel desleimiento curvilineo de la pasta, tan amorasamente como acariciara una tíbia carne o un suave terciopelo. No solo a Don Quijote se le convierten los castillos em posadas, las princesas en maritornes. Esa es desdicha muy española. Velázquez, por el mismo tiempo, trueca las mitologías em rufianerías.. Pero el arte todo lo redime; y cuando dá em convertir al Díos em pícaro es para, a su mane